Amis des art visuels et de l'écologie bonjour!

Nous avons besoin de votre aide afin de réaliser le projet d’exposition Homéostasie, qui a pour but de questionner l’équilibre des rapports entre nature et société au travers des apports de différents artistes travaillant la peinture, l’installation, la photographie ou la sculpture.

Il s’agit d’explorer comment les arts visuels peuvent contribuer à transformer les pratiques et les mentalités relatives à l’écologie, qu'il s'agisse de dénoncer une dégradation du milieu par l'homme, d’avertir sur les manières qu’a le milieu de réagir, ou de présenter une relation idéalisée entre nature et culture. L’exposition suivra une scénographie inspirée du courant philosophique systémique, qui caractérise l’homéostasie. Ce courant développe une vision du monde comme structure organisée, où la culture est un système de valeurs dans lequel l’évolution humaine est enchâssée.

L'objectif de l’exposition est de sensibiliser différents publics à l’importance de la création artistique dans la réflexion sur l'environnement. Elle mettra en lumière l’apport de l'artiste dans la préservation écologique et la capacité de promotion de sa perception particulière de l’environnement à travers le visuel.

Attention! Plus aucune contribution à 80€ disponible!

Déroulé de l’exposition

L’exposition est portée par Adèle Tilouine, soutenue par les associations à but non lucratif Freevol et Last Focus (loi de 1901). Elle sera présentée durant trois semaines en novembre 2015 à l’écho musée du XVIIIe arrondissement, Paris.

Cette exposition aura un but éducatif et sera ponctuée par plusieurs événements :

-Un vernissage en musique

-Un débat public filmé entre des professionnels de l'art et de l'écologie à propos de l'impact de la création artistique sur les pratiques et mentalités qui touchent à l’écologie (le film sera ensuite diffusé sur internet)

-Des visites de l’exposition offertes à des classes d'enfants (secondaire, niveau 5ème), qui pourront donner suite à l’événement en réalisant, sous la direction de leur professeur ou autre membre du personnel de leur école, une création visuelle pour soutenir ou déplorer des pratiques actuelles liées à l’écologie.

Un compte rendu de l’exposition sera présenté sur les différents sites des associations participantes et un catalogue numérique la pérennisera.

Les Artistes

Raphaël Bouyer

Raphaël Bouyer est un jeune peintre plasticien originaire de Toulouse qui réalise des peintures à l’huile et des dessins aux sujets percutants et dérangeants, traités de manière réaliste. L’artiste met en scène catastrophes naturelles ou autres, excès du matérialisme et de la société de consommation dans des cadres naturels magnifiés et intemporels. Ses toiles contrastées, choquantes, sont autant de dénonciations des tendances mortifères de la période actuelle. En parcourant le travail de Raphaël Bouyer, on est confronté à des rames de trains renversées, ballottées par les flots ou enfouies au fond des océans, à des tuyaux oxydés qui parsèment un paysage naturel, à des accidents de voitures, des dizaines de pneus dispersés dans la mer ou à des restes de voitures abandonnées dans des paysages désertiques, à des bateaux échoués ou des avions écrasés, à des cités englouties par la mer ou encore à des personnages en combinaison NBC, pris sur l’instant dans des cadres naturels magnifiques, comme s’il s’agissait de photos. Ces associations font appel à des imaginaires très différents et les mises en scènes intriguent le spectateur par leur aspect inattendu et presque toujours antithétique. Chacune de ces œuvres possède une puissance narrative très particulière et met en scène l'évènement. Le spectateur ne peut s’empêcher de chercher l’histoire qui se cache derrière ces scènes étranges qui semblent prises sur le vif, et sur le sens symbolique de cette poétique de la catastrophe, qui fait tout autant rêver à l'anéantissement d'une civilisation terrifiante par une nature grandiose, qu'elle n'effraie.

Versus

Versus est un artiste polyvalent qui réalise des toiles et des customisations d’objets en agençant de manière dynamique des motifs symboliques, tels que des éléments mécaniques, rouages et engrenages, des yeux, des motifs tribaux, des masques, des formes géométriques, etc. L’artiste explore les différentes possibilités d’association entre les imaginaires que transportent ces motifs et parvient à forger différents discours autour de problématiques très actuelles. En effet, l’intérêt principal du travail de Versus réside dans les questionnements sociaux et même philosophiques que posent l’association de motifs liés à l’Homme, la machine et la nature. Il est frappant que la place laissée à chaque motif est inégale : les engrenages et éléments mécaniques imbriqués, qui évoquent des relations de cause à effet, sont souvent prépondérants et enserrent parfois les motifs liés au thème de l’Homme - comme les yeux ou les symboles tribaux-, à la manière d’un écrin ou peut-être d’un piège. Les dents hérissées des engrenages renvoient une impression d’agressivité et de froideur, renforcée par le choix des couleurs. De plus, l’accumulation de ces éléments mécaniques révèle un système interne, cellulaire, comme si la machine était un système organique, un monstre prêt à broyer l’humanité dans ses rouages et qui l’aurai presque englouti. L’aspect envahissant de ces motifs mécaniques dénonce l’actuelle survalorisation de la machine et la déshumanisation progressive de l’individu dans la société occidentale. Leur accumulation et leur association aux autres motifs, plus humains, posent également un questionnement sur le système actuel, complexe, en perpétuel mouvement et qui échappe finalement à l’Homme, qui y participe et le subit. En somme, chaque composition est une cartographie interne de la vision de Versus sur ces différentes problématiques et peut être comprise de manière métaphorique, comme si les motifs étaient associés à la manière d’un code qu’il faut décrypter.

La Dramstars

La Dramstars est un photographe dont le thème de prédilection est l’univers de la banlieue parisienne. Ses photos, en noir et blanc ou en couleur, traduisent un recul intéressant qui confronte des scènes réelles avec l’imaginaire assimilé au cadre de la banlieue. Réalisées dans une démarche à la fois analytique, documentaire et artistique, elles questionnent les stéréotypes sur les cités et présentent aussi bien la vie foisonnante qui s’y déroule en journée que le vide de ses rues la nuit. Tour à tour frappantes, touchantes ou intrigantes, ces photographies entretiennent un lien étroit avec l’identité et la mémoire et offrent un point de vue unique sur la cité. A l’occasion de l’exposition Homéostasie la Dramstars réalisera une série de photo traitant la place de la nature dans la cité de banlieue.

Thomas Monin

Thomas Monin est un artiste polyvalent qui réalise aussi bien des dessins que des installations ou des vidéos. Au travers de ses œuvres, Thomas Monin cherche à alerter sur les dangers qui menacent actuellement les écosystèmes. Refusant l’anthropocentrisme, l’artiste met en lumière la nature dans sa survie. Il revendique notre animalité et propose une symbiose avec l’environnement, lequel, plutôt qu’il ne nous entoure, nous submerge et nous dépasse.

Rachel Catelain

Rachel Catelain réalise des créations originales mêlant peinture abstraite à l’acrylique et calligraphie. Son travail s'organise autour du texte et manipule des citations très diverses, aussi bien issues de la littérature classique que de propos d’artistes, historiques ou contemporains. L’artiste s’approprie les caractéristiques graphiques de mots célèbres. Jouant de leur forme et de leur sens, elle dégage l'esthétisme de chaque terme, décompose les textes en superposant les phrases, en insérant d'autres mots et en employant des graphies sophistiquées, des couleurs vives et des effets de matière qui distraient du sens premier des mots pour provoquer des impressions. En complexifiant la lecture des citations, Rachel Catelain parvient à renouveler leur perception en évoquant par le visuel le sens qu’elle associe au texte. Par ce procédé, elle parvient à cristalliser en formes et en couleurs l’aspect sensible du texte et à traduire son intériorité. En effet, le ressenti de l’artiste se transcrit de manière concrète dans l’aspect final de l’œuvre. Cette exploitation de l’accidentel, conjugué à une technicité maîtrisée de la calligraphie permet à l’artiste de créer un univers visuel unique, qui fait une synthèse entre la peinture abstraite, la calligraphie classique, le graffiti et l’art du calligramme poétique. A l’occasion de l’exposition elle réalisera des œuvres calligraphiées uniquement à base d’élément naturels. Elle travaillera notamment des textes touchant à l’écologie auxquels elle attribuera des couleurs et des textures issues de la nature.

Guerilla Gardening

Le "Guerrilla Gardening" (guérilla gardening/jardinière/potagère en français), désigne un mouvement de réappropriation d'espaces délaissés au profit d'une émergence végétale quelle qu'elle soit. A l’occasion de l’exposition le collectif proposera une installation ou éventuellement une performance lors du vernissage.

Olivier Ulivieri

Olivier Ulivieri réalise depuis plus de trente ans des assemblages d’éléments de récupération. La majeure partie de ses créations combinent quantité d’objets hétéroclites, de morceaux de tissus, de papier coloré, à une substruction de bois aux lignes élancées. Ce procédé provoque un itinéraire de l’œil, d’abord frappé par le dynamisme de la forme globale de l’œuvre, puis qui s’attarde sur chaque petit détail, comme hypnotisé par l’harmonie d’ensemble et la multitude qui la compose. L’artiste semble métamorphoser le rebut en objets élégants et précieux, qui évoquent des pièces d’orfèvrerie. L’assemblage d’éléments de récupération confère aux œuvres d’Olivier Ulivieri une dimension écologique, qui souligne la valeur d’un objet au-delà de sa fonction initiale. Ce travail d’esthétisation du rebut offre une vision nouvelle de l’objet matériel, hors de sa dimension consumériste et fonctionnelle. L’artiste exploite les formes, les textures et les couleurs de chaque élément et, de manière ingénieuse, invite ainsi le spectateur à explorer les imaginaires qu’il associe à chaque élément individuel ainsi qu’à leur combinaison. Dans leur individualité, chacun de ces objets peuvent aussi bien revêtir une connotation symbolique qu’évoquer un détail du vécu personnel du spectateur, qui se trouve libre de les interpréter comme bon lui semble, après s’être attaché à tous les reconnaître. Il est intéressant de noter que l’artiste assemble ces éléments sans jamais les coller ni les souder, comme s’il s’agissait des pièces d’un puzzle en trois dimensions, naturellement faîtes pour s’emboîter. En agençant de manière eurythmique les rebuts, comme s’ils avaient toujours été destinés à faire partie de l’œuvre, les créations d’Olivier Ulivieri exercent un double mouvement chez ceux qui les regardent : l’admiration de l’harmonie de l’assemblage est inévitablement accompagnée par un sentiment d’intime familiarité, invitant à la rêverie.

Pierre-Olivier Cappello

Pierre-Olivier Cappello réalise des structures abstraites élancées, d’une matière parfaitement lisse, dont les lignes contrastées créent de saisissants effets d’ombres et de lumière. La majeure partie de ses sculptures sont réalisées en « fine de Noyant », pierre dure typique de la région picarde.La cohérence du travail de l’artiste ne se limite cependant pas au support de la pierre et on décèle un axe directeur de recherche autour du rythme et de l’harmonie des lignes. Le dynamisme flamboyant de ces sculptures réside dans ce jeu de contrastes de formes creuses ou saillantes, rondes ou angulaires, qui valorisent l’aspect poli de la pierre blanche, difficilement reconnaissable. Celle-ci voit sa matière entièrement contrôlée par l’artiste, qui s’approprie et modèle sa texture à son gré, dans une totale maîtrise technique.